에두아르 마네
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1. 개요
에두아르 마네는 1832년 파리에서 태어난 프랑스의 화가이다. 그는 법조계 진출을 바라던 부모의 뜻과 달리 예술가의 길을 걸으며, 토마스 쿠튀르의 문하에서 미술을 공부했다. 1850년대 후반부터 초기 작품 활동을 시작하여, 당시 주류였던 아카데미즘 회화에 반기를 들고 사실주의 화풍을 시도했다. 그의 작품은 전통적인 미의식에 도전하며 논란의 중심에 섰으며, 특히 《풀밭 위의 점심 식사》와 《올랭피아》는 큰 파장을 일으켰다. 마네는 인상주의 화가들과 교류하며 영향을 주고받았지만, 인상파 전시에는 참여하지 않고 살롱에 출품하는 것을 고수했다. 그는 1883년 사망할 때까지 독자적인 화풍을 유지하며 근대 미술에 큰 영향을 미쳤고, 그의 작품은 현재 미술 시장에서 높은 가치를 인정받고 있다.
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| 에두아르 마네 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 이름 | 에두아르 마네 |
| 프랑스어 이름 | Édouard Manet |
| 출생일 | 1832년 1월 23일 |
| 출생지 | 프랑스 왕국 파리 |
| 사망일 | 1883년 4월 30일 |
| 사망지 | 프랑스 파리 |
| 안장 장소 | 파리 파씨 묘지 |
| 국적 | 프랑스 |
| 교육 | |
| 교육 | 콜레주 리세 자크 드쿠르 아카데미 스위스 |
| 사사 | 토마 쿠튀르 아틀리에 |
| 경력 | |
| 분야 | 회화, 판화 |
| 운동 | 사실주의 인상주의 |
| 대표 작품 | 풀밭 위의 점심 식사 (), 1863년 올랭피아, 1863년 폴리베르제르의 술집 (), 1882년 피리 부는 소년 (), 1866년 |
| 개인 정보 | |
| 배우자 | 쉬잔 레엔호프 (1863년 결혼) |
| 후원자 | 폴 뒤랑뤼엘 장바티스트 포르 |
| 영향 받은 예술가 | 틴토레토 티치아노 베첼리오 벨라스케스 고야 에드가 드가 인상파 |
| 영향을 준 예술가 | 인상파 |
| |
| 수상 | |
| 수상 | 레지옹 도뇌르 훈장 기사장 (1881년) |
2. 생애
에두아르 마네는 1832년 1월 23일 파리의 부유하고 인맥이 좋은 가문에서 태어났다. 그의 어머니 외제니-데지레 푸르니에는 외교관의 딸이었으며, 스웨덴 왕족 샤를 14세 요한의 대모였다. 아버지 오귀스트 마네는 프랑스 판사였으며, 에두아르가 법조계에 종사하기를 바랐다.[3] 삼촌 에드몽 푸르니에는 그림을 그리도록 장려했고 어린 마네를 루브르 박물관으로 데려갔다. 1845년, 삼촌의 권유로 특별한 그림 수업에 등록했는데, 거기서 미래의 미술부 장관이자 평생 친구가 될 앙투안 프루스트를 만났다.[4] 1844년부터 1848년까지 롤랭 중학교에서 기숙사 생활을 했으나, 학업에 재능을 보이지 않았고 학교생활에 불만족스러워했다.[3]
1848년, 아버지의 제안으로 훈련선을 타고 리우데자네이루로 항해했다. 프랑스 해군에 입대하기 위한 시험에 두 번 낙방하자,[5] 아버지는 그의 예술 교육을 허락했다. 1850년부터 1856년까지 아카데믹 화가 토마 꾸뛰르 밑에서 수학하며,[3] 여가 시간에는 루브르 박물관에서 디에고 벨라스케스와 티치아노 등 거장들의 작품을 모사했다.[3]
1853년부터 1856년까지 독일, 이탈리아, 네덜란드를 여행하면서 프란스 할스, 디에고 벨라스케스, 프란시스코 고야의 영향을 받았다. 1856년, 작업실을 열고 구스타브 쿠르베의 사실주의 양식을 채택하여 거지, 가수, 집시, 카페 사람들, 투우 등 당대 소재들을 그렸다. 초기에는 종교, 신화, 역사적 소재를 거의 그리지 않았으나, 1864년에 《병사들에게 조롱당하는 예수》와 《죽은 그리스도와 천사들》을 그렸다.[7]
1861년 살롱에 두 점의 그림을 출품하여 채택되었다. 어머니와 아버지의 초상화(《마네 부부 초상화》)는 비평가들에게 혹평을 받았으나, 《스페인의 가수》는 테오필 고티에의 칭찬을 받고 살롱 관람객들 사이에서 인기를 얻어 눈에 잘 띄는 곳에 배치되었다.
1863년 파리 살롱은 《풀밭 위의 점심 식사》 전시를 거부했지만, 마네는 살롱 드 르퓌제(거절당한 작품들의 살롱)에 전시했다. 이 그림은 옷을 입은 남성들과 나체의 여성을 나란히 배치한 점과 혁신적인 처리 방식 때문에 논란이 되었다.
마네는 ''풀밭 위의 점심 식사''처럼 르네상스 화가의 작품을 재해석하여 ''올랭피아''(1863)를 그렸다. 이 그림은 1865년 파리 살롱에 출품되어 파문을 일으켰다.
1862년 아버지가 사망한 후, 1863년 수잔 르누프와 결혼했다.[10] 마네는 베르트 모리조를 통해 인상파 화가들과 친구가 되었고, 이들은 바티뉴유 그룹으로 널리 알려지게 되었다. 1874년, 모리조는 마네의 동생 외젠 마네와 결혼하여 마네의 올케가 되었다.
마네는 인상파 그룹과 달리, 파리 살롱에 출품하기 위해 노력해야 한다고 주장했다. 그는 특히 모네와 모리조의 영향을 받았다.
평생 동안 비평가들의 반대에도 불구하고, 마네는 에밀 졸라, 스테판 말라르메, 샤를 보들레르를 지지자로 두었고, 그들의 초상화를 그렸다.
마네의 카페 풍경 그림들은 19세기 파리의 사회 생활을 보여준다. ''카페 콘서트의 한 귀퉁이''에서는 한 남자가 담배를 피우고, 웨이트리스가 음료를 서빙하고 있다.
마네는 '''오페라의 가면 무도회'''에서 파티를 즐기는 활기찬 군중을 묘사하며 상류층의 사교 활동을 그렸다.
마네는 "역사화" 장르에 대한 새로운 해석으로 전쟁을 소재로 한 작품들을 제작했다. 첫 번째 전쟁 관련 작품은 ''키어사지호와 알라바마호의 해전''(1864)이었다.
프랑스-프로이센 전쟁 동안 마네는 파리 포위 공격 동안 도시를 방어하기 위해 국가 근위대에서 복무했다.[15]
2. 1. 출생과 유년 시절
에두아르 마네는 1832년 1월 23일 프랑스 파리의 부유하고 화목한 가정에서 태어났다. 그의 어머니 외제니-데지레 푸르니에는 외교관의 딸이었고, 대부는 스웨덴의 왕태자였던 샤를 베르나도트(칼 14세 요한)였다. 그의 아버지 오귀스트 마네는 프랑스의 법관이었는데, 아들이 법조계에 종사하기를 바랐다.[3] 마네의 삼촌 에드몽 푸르니에는 어린 마네와 형제들을 루브르 박물관에 자주 데려가 그림을 보여주고 직접 그려주기도 하면서 미술계에 종사하도록 독려했다.
마네는 1832년 1월 23일 파리의 쁘띠-조귀스탕 거리(현재 )에 있는, 부유하고 막강한 인맥을 가진 가문의 대대로 내려온 저택에서 태어났다. 어머니 외제니-데지레 푸르니에(Eugénie-Desirée Fournier)는 외교관의 딸이었으며, 칼 14세 요한(샤를 베르나도트)의 대모였다. 마네의 동생으로는 위제느(1833년생)와 기스타브(1835년생)가 있었다.[36]
1844년부터 1848년까지 트뤼데르 거리의 중학교 에 다녔다. 아버지는 마네가 법률가가 되기를 바랐지만, 외삼촌 에두아르 푸르니에 대위는 마네에게 데생을 가르쳐 주고, 마네 삼 형제와 친구 앙토낭 프루스트(후에 미술부 장관)를 루브르 박물관으로 데려가는 등 예술가의 기질을 북돋아 주었다. 마네는 이 무렵 루이 필립이 루브르 박물관에 설치한 스페인 그림관에서 17세기 스페인 사실주의 회화에 접하며 그림에 관심을 가지게 된 것으로 보인다. 프루스트의 회상에 따르면, 콜레주 역사 수업에서 화가가 유행에 뒤떨어진 모자를 그린 것을 드니 디드로가 비판한 전시회 평론을 읽었을 때, 마네는 "우리는 시대에 맞춰야 한다. 유행 따위는 신경 쓰지 말고, 본 그대로를 그려야 한다."라고 말했다고 한다. 또한, 외삼촌 푸르니에가 미술 수업에 참석하게 해 주었는데, 마네는 모작 대신 주변 학생들의 얼굴을 스케치했다고 한다.[37]
마네는 부모님의 뜻에 따라 해군 장교가 되기 위해 해군사관학교 입학 시험을 치렀지만 불합격했다. 1848년 12월, 훈련선을 타고 리우데자네이루까지 항해했다. 후에 마네는 "나는 브라질 여행에서 많은 것을 얻었다. 매일 밤, 배의 항적 속에서 빛과 그림자의 작용을 보았다! 낮에는 갑판 위에서 수평선을 응시했다. 그래서 하늘의 위치를 파악하는 방법을 알게 되었다."라고 말했다.[38] 1849년 6월 파리로 돌아와 해군사관학교 입학 시험을 다시 치렀지만, 또다시 불합격했다. 이에 아버지도 포기하고, 마네는 예술가의 길을 걷도록 허락받았다.[39]
2. 2. 미술 공부
1844년부터 1848년까지 트뤼데르 거리의 중학교에 다녔다. 1845년 롤랑 기숙학교에서 훗날 예술부 장관이 되는 평생의 친구 앙토냉 프루스트를 만났으나, 공부를 잘하는 학생은 아니어서 집안의 바람대로 법대에 진학하는 것은 어려웠다. 1848년 아버지의 바람으로 해군 사관학교에 지원했지만 낙방했다. 같은 해 10월, 프랑스 해군 사관학교는 6개월간 견습 항해 시 항해 참가원 간의 경쟁으로 생도를 뽑는 제도를 마련했고, 마네는 리우데자네이루로 항해하는 배에 승선하기도 했다. 거듭된 실패에 아버지는 마네가 원하는 미술 교육을 허락했다.1850년부터 1856년까지 아카데미파 화가 토마스 쿠튀르르 문하에서 공부하면서, 틈틈이 루브르 박물관의 걸작들을 모사했다.[40] 1847년 파리 살롱에 '쇠퇴기의 로마인'을 출품하여 성공한 쿠튀르는 당시 아카데미즘 회화계의 혁신적인 역사화가였다. 마네는 쿠튀르에게 영향을 받았지만, 전통적인 역사화에 집착하는 그의 태도에는 반발했다. 마네가 모델에게 옷을 입힌 채 포즈를 취하게 하자 쿠튀르는 "너는 네 시대의 도미에밖에 될 수 없다"고 비판하기도 했다.[40] 1852년에는 암스테르담 국립 미술관을 방문했고, 1853년에는 동생 외젠과 함께 베네치아, 피렌체를 여행하며 티치아노의 '우르비노의 비너스'를 모사했다. 더 나아가 이때 독일과 중앙 유럽까지 여행하며 여러 미술관을 방문한 것으로 보인다.[40]
2. 3. 초기 작품 활동 (1856-1862)
1853년부터 1856년까지 마네는 독일, 이탈리아, 네덜란드를 여행하면서 프란스 할스, 디에고 벨라스케스, 프란시스코 고야의 영향을 받았다. 1856년, 마네는 자신의 작업실을 열었다. 이 시기 그의 화풍은 붓 터치를 자연스럽게 하고, 세부 묘사를 단순화했으며, 중간 톤을 억제하는 특징을 보였다. 구스타브 쿠르베가 시작한 사실주의 양식을 채택하여 《술 마시는 사람》(1858-59)과 같이 거지, 가수, 집시, 카페 손님, 투우 등 당대 현실을 반영하는 주제를 그렸다.[6] 초기에는 종교, 신화, 역사적 소재는 거의 다루지 않았으나, 1864년에 그린 종교화로는 《병사들에게 조롱당하는 예수》와 《죽은 그리스도와 천사들》이 있다.[7]마네는 1861년 살롱에 두 점의 그림을 출품하여 채택되었다. 아버지와 어머니를 그린 초상화(《마네 부부 초상화》)는 당시 뇌졸중이나 매독 말기로 마비된 아버지의 모습 때문에 비평가들에게 좋지 않은 평가를 받았다. 그러나 다른 작품인 《스페인의 가수》는 테오필 고티에의 칭찬을 받았고, 살롱 관람객들 사이에서 인기가 많아 눈에 잘 띄는 곳에 배치되었다. 다른 살롱 그림들의 정교한 화풍과 비교했을 때 "약간 성급해 보이는" 마네의 작품은 몇몇 젊은 예술가들의 관심을 끌었고 그의 작업실에 새로운 사업을 가져다주었다. 한 당대의 자료에 따르면, "이상한 새로운 방식"으로 그려진 《스페인의 가수》는 "많은 화가들의 눈을 뜨게 하고 턱을 떨어뜨리게 했다."
2. 4. 논란의 중심 (1863-1865)
1863년 낙선전에 출품된 《풀밭 위의 점심 식사》는 당시 아카데미에 선택받지 못한 젊은 화가들의 주목을 받았다. 그들은 마네의 집 근처 카페 게르부아에 모여 그림에 대한 이야기를 나누었으며, 이는 인상주의 회화 탄생의 계기가 되었다. 그러나 마네는 인상주의 화가들과의 교류에 큰 의미를 두지 않은 것으로 보인다.당시 모인 화가들은 서로 영향을 주고받았지만, 마네의 작품에서는 그러한 영향이 뚜렷하게 나타나지 않았다. 인상파 화가들이 살롱에 도전하는 대신 자신들만의 전시회를 열려고 할 때, 마네는 참여하지 않았다.
마네는 ''풀밭 위의 점심 식사''에서처럼 르네상스 시대 유명 화가의 작품을 재해석하여 ''올랭피아''(1863)를 그렸다. 초기 스튜디오 사진을 연상시키는 스타일의 누드화이지만, 자세는 티치아노의 ''우르비노의 비너스''(1538)를 바탕으로 하고 있다. 이 그림은 프란시스코 고야의 ''벌거벗은 마하''(1800)를 연상시키기도 한다.
마네는 살롱에 누드화를 전시하라는 도전을 받고 이 그림을 시작했다.[9] 자신감 넘치는 매춘부를 솔직하게 묘사한 이 작품은 1865년 파리 살롱에 출품되어 큰 논란을 일으켰다. 앙투안 프루스트에 따르면, "관리들의 주의만 아니었다면 그림이 분노한 관람객들에 의해 찢기고 훼손되었을 것"이라고 한다. 이 그림이 논란이 된 것은 누드 모델이 머리에 난초를 꽂고, 팔찌를 차고, 목에 리본을 두르고, 뮬 슬리퍼를 신는 등 작은 장신구를 착용하고 있었기 때문이다. 이러한 요소들은 그녀의 나체, 성적 매력, 그리고 편안한 사교계 여성의 생활 방식을 더욱 강조한다. 난초, 높이 묶은 머리, 검은 고양이, 꽃다발은 당시 성적 매력을 상징하는 것으로 여겨졌다. 이 현대적인 비너스의 몸은 당시 기준과는 달리 마른 체형이며, 그림의 이상주의 부족은 관객들을 불편하게 했다. 일본 목판화 예술에서 영감을 받은 그림의 평면성은 누드를 더욱 인간적으로 그리고 덜 관능적으로 만든다. 완전히 차려 입은 흑인 하녀가 등장하는데, 이는 당시 흑인은 성적으로 과도하다는 속설을 이용한 것이다. 그녀가 사교계 여성의 하녀 옷을 입고 있다는 사실은 작품의 성적 긴장감을 더욱 높인다.
올랭피아의 몸과 시선은 당당하고 정면을 향하고 있다. 그녀는 남자 애인 중 한 명이 보낸 꽃을 하녀가 가져오는 동안 당당하게 바라본다. 비록 그녀의 손이 다리를 덮고 음부를 가리고 있지만, 전통적인 여성의 미덕에 대한 언급은 아이러니하다. 이 작품에서는 겸손함이라는 개념이 없다. 당시 비평가는 올랭피아의 "뻔뻔하게 구부러진" 왼손을 비난했는데, 이는 그에게 티치아노의 비너스의 느슨하고 가리는 손을 조롱하는 것처럼 보였다. 마찬가지로 침대 발치에 있는 경계심 많은 검은 고양이는 티치아노가 ''우르비노의 비너스''에서 묘사한 여신의 잠자는 개와 대조적으로 성적으로 반항적인 분위기를 자아낸다.
''올랭피아''는 대중 언론에서 풍자의 대상이 되었지만, 프랑스 아방가르드 예술가들에 의해 옹호되었다. 귀스타브 쿠르베, 폴 세잔, 클로드 모네, 그리고 후대의 폴 고갱 등의 예술가들에 의해 그 중요성이 인정받았다.
''풀밭 위의 점심식사''와 마찬가지로, 이 그림은 당대 프랑스의 매춘 문제와 사회 내 여성의 역할에 대한 문제를 제기했다.
1867년 프랑스 정부가 멕시코 황제로 즉위시킨 막시밀리아노 1세가 베니토 후아레스 멕시코 대통령에 의해 총살당하는 와중에도 프랑스 정부는 막시밀리아노 1세를 외면하자, 에두아르 마네는 1868년에 이를 비꼬는 그림을 그렸다. 그림에서 막시밀리아노 1세의 사형을 집행하는 군인의 복장이 프랑스군 복장과 유사하며, 맨 뒤에 서서 총알을 장전하는 군인은 나폴레옹 3세의 얼굴로 그려졌다.
2. 5. 바티뇰 그룹과 교류 (1866-1870)
1863년 낙선전에 《풀밭 위의 점심 식사》가 전시되자, 그의 작품에 감명받은 젊은 화가들이 마네에게 모였다. 이들은 마네의 집 근처 카페 게르부아에 모여 그림에 대한 이야기를 나눴으며, 이 모임은 인상주의 회화를 잉태하는 의미를 지닌 것이었다. 그러나 당시 마네는 인상주의 회화의 모임에 친교 이상의 의미를 부여하지 않은 것으로 보인다.[104] 마네는 이들 인상파 화가들이 살롱에 도전하기를 그만두고, 자기들만의 전시회를 열려고 할 때 참가하지 않았다.[105]1867년 프랑스 정부에서 멕시코 황제로 즉위시킨 막시밀리아노 1세가 베니토 후아레스 멕시코 대통령에 의해 총살당하는 와중에도 프랑스 정부는 막시밀리아노 1세를 외면하자 에두아르 마네는 1868년에 이를 비꼬는 그림을 그렸다. 그림에서 막시밀리아노 1세의 사형을 집행하는 군인의 복장이 묘하게 프랑스군 복장을 닮았으며 맨 뒤에 서서 총알을 장전하는 군인은 아예 나폴레옹 3세의 얼굴로 그려 놓았다.
1864년, 바티뉴르 대로 34번지로 이사했다.[44] 마네는 이전부터 이탈리아 거리의 카페 토르토니나 카페 드 바르드에 자주 드나들었지만, 바티뉴르 대로로 이사한 무렵부터 카페 게르부아에 다니기 시작했던 것으로 보인다. 카페 게르부아에는 점차 화가와 문학가들이 모이기 시작했는데, 그중에는 시인 자카리 아스트뤼크, 중학교 시절 및 쿠튀르 화실 시절의 친구인 앙토낭 프루스트, 사진가 나다르, 비평가 루이 에드몽 뒤랑티, 테오도르 뒤레, 필립 뷔르티, 화가 앙리 팡탱-라투르, 앙투안 기욤, 판화가 마르셀랭 데부탕 등이 있었다.[79] 작가 아르망 실베스트르는 카페 게르부아에서의 마네에 대해 다음과 같이 묘사했다.[80]
1866년 마네는 생라자르 역 근처 생페테르부르크 가로 거처를 옮겨 사망할 때까지 그곳에 살았다.[44] 1866년 살롱에 『피리를 부는 소년』을 출품했지만 낙선했다. 이 작품은 스페인 여행에서 벨라스케스에게서 배운 단순하고 평평한 배경 처리를 실천한 것이었다.[101] 신인 작가였던 에밀 졸라는 그해 봄 화가 앙투안 기욤의 소개로 마네의 아틀리에를 방문하여 마네에게 심취하게 되었다. 졸라는 『르베브망』지에서 살롱에서 낙선한 『피리를 부는 소년』에 대해 "나는 이보다 더 복잡하지 않은 방법으로 이보다 더 강력한 효과를 얻을 수 없다고 생각한다."라며 마네를 옹호했다.[102]
1867년 파리 만국 박람회에서는 장 레옹 제롬이나 카바넬과 같은 아카데미즘 회화 외에 장 바티스트 카미유 코로, 장 프랑수아 밀레와 같은 바르비종파의 작품이 전시되었지만, 마네의 작품은 전시되지 않았다. 그래서 마네는 전시장에서 멀지 않은 알마 다리 부근에 많은 비용을 들여 파빌리온을 짓고,[103] 10년 가까이 된 주요 작품 50점을 전시하는 개인전을 열었다. 마네는 졸라에게 보낸 편지에서 "나는 위험한 도박을 하려고 하지만, 당신과 같은 사람들의 도움이 있으므로 성공을 확신합니다."라고 썼다. 그러나 칭찬한 비평가도 몇 명 있었지만, 마네가 기대했던 것 같은 사회적 평가는 얻지 못했다.[104] 졸라는 1867년 『르베브망』지의 기사를 발전시켜 소책자 「마네론」을 발표하여 마네의 개인전에서 판매했다. 졸라는 그 안에서 회화는 순수하게 색채와 형태를 추구하는 것이라는 모던 아트의 선구적인 사상을 썼다.[108]
마네는 졸라의 격려에 힘입어 1868년 살롱에 졸라의 초상화를 출품했다. 그림 속 책상 위에는 파란 표지의 「마네론」 소책자가 그려져 있다.[110] 1860년대 후반에는 클로드 모네도 아스트뤼크의 소개로 마네와 알게 되었다. 졸라와 모네 외에 피에르 오귀스트 르누아르, 프레데릭 바지유, 카미유 피사로 등 아카데미 쉬이스와 샤를 그레르 화실을 중심으로 모인 젊은 화가들도 카페 게르부아에 얼굴을 내밀기 시작했다. 이러한 젊은 화가들은 "바티뉴르파"라고 불리게 되었다. 팡탱 라투르가 그린 『바티뉴르의 아틀리에』에는 마네를 중심으로 한 젊은 화가들의 모임이 그려져 있다.[111] 1868년에는 팡탱 라투르를 통해 여성 화가 베르트 모리조와 그녀의 언니를 알게 되었고, 베르트 모리조는 마네 작품의 모델이 된다.[112] 1869년 2월에는 에바 곤잘레스가 마네의 아틀리에에 입문했다.[130]
에드가르 드가와는 루브르 박물관에서 모사를 하고 있을 때 알게 되어 친해졌지만, 드가가 카페 게르부아에 드나들기 시작한 것은 1868년 봄부터였다. 두 사람은 서로 존경하면서도 서슴없이 신랄한 말씨로 말다툼을 반복하는 관계였다.[115]
마네는 1867년 프랑스가 추대했던 멕시코 황제 막시밀리안이 총살당한 사건을 소재로 『막시밀리안 황제의 처형』 유화 3점과 석판화 1점을 제작했지만, 1869년 1월 내무부로부터 검열에 의해 그림이 살롱에 받아들여질 수 없고, 석판화의 인쇄가 금지된다는 통지를 받았다. 졸라는 『라 트리뷴』지에 이 검열을 비판하는 기사를 게재했다.[117]
1869년 살롱에는 『발코니』와 『아틀리에에서의 점심』이 입선했다. 『발코니』에는 베르트 모리조가 모델로 등장하고 있다. 왼쪽 앞을 응시하는 모리조를 포함하여 세 사람의 인물은 어색하고 시선은 공허하며 서로 맞지 않는다. 모리조는 살롱 현장에서 본 이 작품에 대해 "마네의 작품은 언제나 그렇듯이 익지 않은 단단한 과일 같은 인상을 풍깁니다……『발코니』에 그려진 저는 추하다기보다는 기묘합니다."라고 썼다. 비평가들은 등장인물이 무엇을 생각하고 있는지 불분명하고 정물화 같다고 깎아내렸다. 그러나 현재는 근대인의 내면에 존재하는 무관심을 그려내는 것이야말로 마네의 본질이었다고 평가되고 있다.[118] 마네는 기지가 풍부한 말로 상대를 제압하려는 구석이 있어, 1870년에는 에드몽 뒤랑티와 말다툼 끝에 칼로 결투를 벌였다는 사건도 있었다. 두 사람은 큰 부상은 없었고 그날 밤에는 화해했다.[119]
제2제정하 마지막 살롱이 된 1870년 살롱에는 『에바 곤잘레스의 초상』을 제출했지만, 보수파 비평가는 "유화로 그린 추하고 평평한 캐리커처", "눈길을 끌기 위한 조잡한 그림"이라고 혹평했다. 한편 테오도르 뒤레와 에드몽 뒤랑티는 마네를 옹호하는 논평을 썼다.[120]
2. 6. 프랑스-프로이센 전쟁과 파리 코뮌 (1870-1871)
프랑스-프로이센 전쟁 동안 마네는 파리 포위 공격 동안 도시를 방어하기 위해 드가와 함께 국가 근위대에서 복무했다.[15] 1871년 1월, 그는 피레네 산맥의 올로롱생마리로 여행을 떠났다. 그가 자리를 비운 사이 친구들은 그의 이름을 쿠르베의 파리 코뮌의 "예술가 연맹"(Fédération des artistes)에 추가했다. 마네는 아마도 ''피의 주간'' 이후까지 파리에 머물지 않았을 것이다. 베르트 모리조에게 셰르부르에서 보낸 편지(1871년 6월 10일)에서 그는 "우리는 며칠 전 파리로 돌아왔습니다..."라고 썼다(피의 주간은 5월 28일에 끝났다).부다페스트 미술관의 판화 및 드로잉 소장품에는 마네의 수채화/구아슈인 ''바리케이드''가 있다. 이 작품은 베르사유군에 의한 코뮌 파리시민의 즉결 처형을 묘사하고 있으며, 막시밀리안의 처형을 묘사한 석판화를 바탕으로 제작되었다. 유사한 작품인 ''바리케이드''(합판에 유채)는 개인 수집가가 소장하고 있다.
1871년 3월 18일, 그는 파리에 있는 친구 펠릭스 브라크몽에게 보르도 방문에 대해 편지를 썼다. 보르도는 제3공화국 프랑스 국민의회의 임시 의석이었고, 에밀 졸라가 그에게 그곳을 소개했다. "나는 프랑스가 저런 늙고 어리석은 사람들, 심지어 그 작은 멍청이 티에르를 제외하고도 대표될 수 있다고는 상상도 못했습니다..."[16] 이것이 코뮌에 대한 지지로 해석될 수 있다면, 브라크몽에게 보낸 다음 편지(1871년 3월 21일)에서는 그의 생각을 더 분명하게 표현했다. "오직 당파적인 사람들과 야심가들, 이 세상의 앙리들이 밀리에르의 뒤를 이어 1793년 코뮌의 괴상한 모방자들." 그는 코뮌 당원 루시앵 앙리가 예전에 화가의 모델이었고, 밀리에르는 보험 중개인이었음을 알고 있었다. "이 모든 피에 굶주린 광란이 예술에 얼마나 큰 격려가 될까요! 하지만 우리의 불행에는 적어도 하나의 위안이 있습니다. 우리는 정치가가 아니고 국회의원으로 선출될 욕심도 없습니다."
마네가 가장 존경했던 공인은 공화주의자 레옹 감베타였다.[17] 1877년 ''5월 16일'' 쿠데타가 발생했을 때, 마네는 감베타의 친구 외젠 슈플러가 의장을 맡은 공화당 선거 집회를 위해 자신의 아틀리에를 열었다.[17]
2. 7. 인상주의와의 관계 (1872-1882)
마네는 1860년대 후반부터 모네를 비롯한 젊은 화가들과 교류하며 서로 영향을 주고받았다. 특히 1870년대에는 인상주의 기법을 적극적으로 수용하여 야외 제작을 도입하고, 인상주의적인 붓터치 분할을 사용하기도 했다.[274] 모네의 아르장퇴유 집을 자주 방문하며 함께 그림을 그리기도 했다.그러나 마네는 인상파 화가들과는 몇 가지 점에서 차이를 보였다. 인상파 화가들이 빛과 공기의 변화를 포착하는 데 주력하고 인물을 풍경의 일부로 묘사한 반면, 마네는 인물의 존재감과 현실감을 중시했다.[275] 또한 인상파 화가들이 피했던 검은색을 적극적으로 사용했으며,[276] 소품 위주의 인상파와 달리 대작을 선호하여 살롱 출품을 고집했다.[277]
이러한 이유로 마네는 인상파 그룹전에 참여하지 않았고, 인상파 화가로 분류되지 않는다. 대신 인상파의 지도자 또는 선구자로 여겨진다.[278] 마네는 인상주의 요소를 받아들였지만, 자신만의 독자적인 화풍을 유지하며 인상주의 발전에 큰 영향을 미쳤다.
2. 8. 말년과 죽음 (1883)
1883년 4월, 마네는 매독과 류머티즘 합병증으로 인한 괴저로 왼발을 절단했다. 그는 수술 후 11일 뒤인 4월 30일 파리에서 사망했고, 파리의 파시 묘지에 묻혔다.[28]40대 중반에 마네의 건강은 악화되었고, 심한 통증과 다리의 편마비를 겪었다. 1879년 그는 므동 근처 온천에서 수치료를 받기 시작했는데, 이는 순환기 질환을 개선하기 위한 것이었지만, 실제로는 매독의 부작용인 척수후삭변성을 앓고 있었다.[24] 1880년에는 므동에서 오페라 가수 에밀리 암브르의 초상화를 카르멘으로 그리기도 했다.[25]
말년에 마네는 과일과 채소를 소재로 한 많은 정물화 소품들을 그렸는데, 그 예로 '''아스파라거스 다발'''과 ''레몬''(둘 다 1880년)이 있다. 1882년에는 그의 마지막 대작인 ''폴리베르제르의 술집''을 완성했고, 그해 살롱에 전시되었다. 그 후 그는 소품에만 전념했다.
마네의 마지막 그림들은 유리 꽃병에 꽂힌 꽃들이었다. 20점 정도의 이러한 그림들이 알려져 있으며, 마지막 그림은 사망하기 두 달 전인 1883년 3월에 그려졌다.[26]
3. 주요 작품
마네는 1872년 살롱에 1864년에 제작한 키어사지호와 알라바마호의 해전을 출품하여 입선했다. 1873년 살롱에는 르 봉 보크와 휴식(베르트 모리조의 초상)이 입선했다. 르 봉 보크는 전통적인 표현 기법을 사용한 초상화로 살롱에서는 호평을 받았지만, 바티뇰파로부터는 평가받지 못했다.[137] 실베스트르는 마네의 그림이 대중에게 서서히 받아들여지고 있음을 느끼며, "마네는 아직 논쟁의 대상이지만, 이미 당혹의 대상은 아니다"라고 적었다.[138]
1873년 중반경, 마네와 그의 동료들의 아지트는 카페 게르부아에서 마르셀랑 데부탕의 주도로 피갈 광장의 카페 드 라 누벨 아테네로 옮겨간 것으로 보인다. 그곳에는 카페 게르부아의 단골손님들 외에도 새로운 멤버들이 합류했다.[139] 소설가 조지 무어는 카페에서 나란히 앉아 있는 마네와 에드가 드가를 보면서, 마네는 밝고 직선적인 성격으로 예술에서는 반드시 자연을 따라 그리는 반면, 드가는 눈매가 날카로운 냉소적인 사람으로 그림은 데생과 메모에서 구성하는 등 모든 면에서 대조적이었다고 기록했다.[140]
| 작품명 | 제작 연도 | 기법 | 크기 (cm) | 소장처 |
|---|---|---|---|---|
| 내전 | 1871-73년 | 리토그래프 | 39.4 × 50.5 | 브랜턴 미술관 |
| 휴식(베르트 모리조의 초상) | 1871년경 | 유채, 캔버스 | 150.2 × 114 | 로드아일랜드 디자인 스쿨 미술관[141] |
| 스미레꽃다발을 든 베르트 모리조 | 1872년[143] | 유채, 캔버스 | 55.5 × 40.5 | 오르세 미술관[144] |
| 르 봉 보크 | 1873년 | 유채, 캔버스 | 94.6 × 83.3 | 필라델피아 미술관[145] |
4. 영향
마네의 작품은 초기에는 전통적인 마무리가 부족하다는 비판을 받았지만, 에밀 졸라와 같은 찬사자들도 있었다.[29] 마네의 그림 스타일과 사진 같은 조명은 현대적인 것으로 여겨졌으며, 그는 밝은 바탕 위에 불투명한 물감을 사용하는 '알라 프리마'(alla prima) 기법을 선호했다. 이 기법은 인상파 화가들에게 채택되어 유화의 주된 기법이 되었다.[29] 그의 작품은 표면의 평평함, 스케치 같은 부분, 검은 윤곽선 등으로 인해 "초기 현대"로 간주된다.
미술사학자 비아트리스 파월은 마네를 "보편적으로 모더니즘의 아버지로 여겨져 왔다"고 말한다. 그는 '알라 프리마' 기법을 유화의 표준 기법으로 만든 최초의 인물 중 한 명이었으며, 르네상스 원근법에 자유롭게 접근하고 '순수 회화'를 제시한 최초의 인물 중 한 명이었다. 또한, 그는 쿠르베와 함께 인본주의적이고 역사적인 주제를 거부하고, 드가와 함께 현대 도시 생활을 고급 예술의 소재로 확립했다.[29]
마네는 옛 거장(올드 마스터)의 작품에서 다양한 주제와 모티프를 인용하여 현대적인 문맥에 맞게 재해석했다.[260] 그의 회화에는 1860년대부터 유행한 자포니즘(ジャポニスム)의 영향도 보인다.[263] 마네의 『에밀 졸라의 초상』 배경에는 일본의 화조도 병풍과 우키요에(浮世絵)가 장식되어 있다.
졸라는 "마네의 단순화된 회화를 일본 판화와 비교하는 것은 흥미로울 것이다. 일본 판화는 알 수 없는 우아함과 훌륭한 색점으로 마네의 그림과 닮았으니까."라고 쓰고 있다.[265]
마네는 젊은 인상파 화가들에게 존경을 받았으며, 그들에게 큰 영향을 주었다. 프레데리크 바지유의 「바지유의 아틀리에」에서는 캔버스 앞에서 마네가 바지유에게 조언을 주는 장면이 묘사되어 있다.[268]
마네는 인상파 화가들과 서로 영향을 주고받았으며, 인상주의적인 요소가 짙은 작품도 있기 때문에 인상파의 한 사람으로 이야기되기도 하지만, 인상파 그룹 전시회에 참가하지 않았기 때문에 인상파 그 자체에는 포함되지 않고, 인상파의 지도자 또는 선구자로 자리매김되는 것이 일반적이다.[278]
폴 세잔은 마네의 영향을 받아 자신만의 『풀밭 위의 점심식사』와 『모던 올랭피아(현대판 올랭피아)』를 제작했다. 마네의 『온실에서』와 『폴리베르제르의 술집』에서 보이는 여러 시점에서 본 형태를 통합하는 방식은 세잔의 정물화에서도 나타난다.
폴 고갱도 『올랭피아』를 모사한 작품을 제작했으며, 그의 누드화에는 『올랭피아』의 이미지가 보인다.
앙리 마티스는 "마네는 본능을 해방함으로써 자신의 감각을 직접적으로 표현한 최초의 화가입니다."라고 적었다.
파블로 피카소는 1901년에 『「올랭피아」의 패러디』를 그렸고, 『아비뇽의 아가씨들』(1907년)의 참고 자료 중 하나로 여겨진다. 만년의 피카소는 『풀밭 위의 점심식사』의 변주곡을 다수 제작했다.[287]
5. 평가
에두아르 마네는 비평가들의 반대에도 불구하고 에밀 졸라, 샤를 보들레르, 스테판 말라르메와 같은 지지자들을 얻었으며, 그들의 초상화를 그리거나 그림으로 남겼다.[11][12]
마네의 작품은 처음에는 전통적인 마무리가 부족하다는 비판을 받았지만, 에밀 졸라는 "우리는 현실을 이토록 단순하고 직접적으로 표현한 것을 본 적이 없다... 자연을 부드러운 잔혹함으로 해석하는 이 밝고 진지한 그림을 바라보는 것은 정말 매력적인 경험이다."라고 평했다.[29]
마네의 스타일은 대략적으로 그려진 듯한 느낌과 사진 같은 조명으로 인해 현대적인 도전으로 여겨졌다. 그는 어두운 바탕 위에 여러 겹의 그림을 쌓는 전통 기법 대신, 밝은 바탕 위에 불투명한 물감을 사용하는 '알라 프리마'(alla prima) 기법을 선호했다. 이 기법은 인상주의 화가들에게 채택되어 유화의 주된 기법이 되었다.[29] 마네의 작품은 평평한 표면, 스케치 같은 부분, 검은 윤곽선 등으로 인해 "초기 현대"로 간주된다.
미술사학자 비아트리스 파월은 마네를 "보편적으로 모더니즘의 아버지로 여겨져 왔다"고 평가한다. 그는 귀스타브 쿠르베와 함께 '알라 프리마' 기법을 유화의 표준으로 만들고, 르네상스 원근법을 자유롭게 사용하며 '순수 회화'를 제시한 선구자였다. 또한 쿠르베와 함께 인본주의적, 역사적 주제를 거부하고, 에드가 드가와 함께 현대 도시 생활을 고급 예술의 소재로 확립했다.[29]
5. 1. 사후 명성
1884년 1월, 에콜 데 보자르(국립미술학교)에서 마네 회고전이 열렸다. 유화 116점 외에 판화, 데생, 수채화, 파스텔화 등 총 200점을 모은 대규모 전시회로 성공을 거두었다. 하지만 미국에서 마네의 평가가 높아지고 있던 것과는 달리, 프랑스에서는 여전히 평가가 낮았다.[203] 피리를 부는 소년에 대해, 평면적인 채색을 싫어하며 "문에 붙인 다이아몬드의 잭이다"라고 혹평한 보수적인 비평가도 있었다.[212] 회고전 후 오텔 드루오에서 열린 경매는 순조롭지 못했고, 베르트 모리조는 언니에게 보낸 편지에서 "미술학교 전람회가 성공한 후 경매는 완전히 실패했습니다. 어쨌든 저는 매우 실망했습니다. 유일한 위안은 마네의 작품들이 모두 마음 따뜻한 미술 애호가와 예술가들의 손에 들어갔다는 것입니다. 경매 총 수익은 11만 프랑이었습니다. 사실 우리는 최소 20만 프랑을 예상했었습니다."라고 적고 있다.[213]1889년 파리 만국박람회 기념 "프랑스 미술 100년전"에 마네의 올랭피아가 전시되었다. 당시 돈에 궁핍해진 마네의 아내 수잔느가 올랭피아를 미국인에게 매각하려 한다는 것을 들은 모네는 마네의 대표작이 해외로 유출되는 것을 우려하여 이 작품을 구입, 루브르 박물관에 기증할 계획을 세웠다. 모네는 오귀스트 로댕에게 보낸 편지에서 "이는 마네의 업적에 대한 훌륭한 찬사이며, 동시에 이 그림의 소유주인 마네 부인의 경제적 상황을 은근히 돕는 것이기도 합니다"라고 적고 있다.[214] 전 미술부 장관 앙토낭 프루스트의 반대에 부딪혔지만, 결국 모네는 올랭피아를 구입하여 1890년 11월, 국립 뤽상부르 박물관에 전시하는 데 성공했다. 그때에도 루브르 박물관에는 어울리지 않는다는 보수적인 아카데미즘의 저항은 여전히 강했다. 1907년 조르주 클레망소의 주선으로 마침내 루브르 박물관으로 이전되었다.[215][216][217]
1894년, 인상파 화가이자 수집가였던 귀스타브 카유보트가 사망했을 때, 마네와 인상파 작품 68점을 뤽상부르 박물관에 유증한다는 유언을 남겼다. 이 당시에도 미술계 보수파의 저항은 강력했고, 수용에는 반대의 목소리가 컸다. 결국 1896년 2월, 소장품 중 40점이 선정되어 프랑스 정부가 받아들였다. 여기에 마네의 발코니도 포함되어 있다.[218][219]
1905년, 살롱 도톤느에서 마네의 유화 25점, 파스텔화 5점, 수채화 1점 등 총 31점으로 구성된 회고전이 열렸다. 에밀 졸라의 초상 등 살롱 출품작 5점을 포함한 풍성한 내용의 전시회였다.[220]
1906년, 근대 미술의 대 수집가가 루브르 박물관에 기증한 컬렉션에 마네의 풀밭 위의 점심식사 등 5점이 포함되어 있었다.[221]
1932년, 파리의 오랑주리 미술관에서 탄생 100주년 기념 전시회가 열렸다.[222] 이때 마네는 국가 차원에서 최종적인 승인을 얻었다고 할 수 있으며, 폴 발레리는 전시회 카탈로그에 "마네의 승리"라는 제목의 서문을 기고했다.[223]
1983년에는 파리의 그랑 팔레 미술관과 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에서 사후 100주년 회고전이 열렸다. 그때까지의 마네 연구가 집대성된 전시회였으며, 근대 회화 거장으로서의 마네의 지위는 결정적인 것이 되었다.[224] 같은 해 퐁피두 센터의 국립 근대 미술관에서 "봉주르 므시외 마네"전이 열려 마네의 그림에 자극을 받은 19세기 이후의 작품과 현존 화가의 작품이 전시되었고, 올랭피아를 비롯한 마네 작품이 후세에 미친 영향을 보여주는 내용이었다.[225]
5. 2. 미술 시장
마네의 후기 작품인 봄(1881)은 2014년 11월 5일 크리스티 경매에서 6510만달러에 J. 폴 게티 미술관에 팔리며 마네 작품 경매 최고가 기록을 경신했다. 이는 2500만달러~3500만달러로 예상되었던 가격을 훨씬 웃도는 것이다.[30] 이전 최고가 기록은 2010년 6월 22일 소더비 경매에서 팔린 팔레트를 든 자화상(1878~1879)의 3320만달러였다.[31]마네 사후 1890년 클로드 모네의 노력으로 오림피아가 국가의 룩셈부르크 박물관에 수용되었고, 1896년 귀스타브 카이보트의 유증으로 발코니 등이 정부에 수용되는 등 마네에 대한 공적인 인식은 높아졌다. 그러나 이러한 수용 당시에도 미술계의 보수파로부터 반대의 목소리가 나오는 등 마네와 인상파에 대한 저항은 강한 것이었다. 하지만 그 후 미술 시장에서 마네에 대한 평가는 급속도로 상승하여 1989년에는 깃발로 장식된 모니에 거리가 2400만달러(34.75억엔)에 낙찰되었고, 2014년에는 봄이 6512만달러(74억엔)를 넘는 가격에 낙찰되는 등 미술 시장의 상위를 차지하게 되었다.
마네의 유채화는 400점이 넘는다고 한다. 마네는 보수적인 부르주아였고 살롱에서의 성공을 열망했지만, 풀밭 위의 점심식사와 오림피아는 본인의 의도와는 반대로 스캔들을 불러일으키며 미술계의 혁명을 일으켰다.
마네의 생전인 1878년, 장-바티스트 포르가 자금난으로 인해 오텔 드루오(Hôtel Drouot)에서 마네의 작품을 경매에 부쳤을 때, 단 한 점만 2000FRF(80GBP)에 팔렸을 뿐 나머지는 팔리지 않았다. 에르네스트 오슈데가 파산하여 같은 해에 마네의 작품을 경매에 부쳤지만, 한 점당 35FRF에서 800FRF 사이에 불과했다.[226]
사후 다음 해인 1884년 회고전 이후, 오텔 드루오에서 그의 작품 대부분이 경매되었지만, 《올랭피아》가 400GBP(10000FRF), 《아르장퇴유》가 500GBP(12500FRF)로 가장 높은 가격에 팔렸으며, 유화 93점을 비롯한 파스텔화, 수채화, 데생, 에칭, 리토그래프의 총 매출액은 4665GBP(116637FRF)로 마네 가족의 기대를 크게 밑돌았다. 낙찰자 대부분도 유족과 친구들이었다.[227]
마네의 시장 가격은 점차 상승하여, 1898년에 《기타를 든 여인》이 2800GBP(70000FRF)에 팔렸다. 1910년 이후, 만하임 시립미술관이 막시밀리안 황제의 처형을 4500GBP에 구입하는 등, 파운드로 4자릿수가 일반적이 되었고, 1920년대에는 파운드로 5자릿수에 달하는 작품도 등장하기 시작했다. 1926년에는 사뮤엘 코르토(Samuel Courtauld (art collector))가 폴리 베르제르의 술집을 24100GBP(수수료 포함)에 구입하여, 제2차 세계 대전 이전 마네 작품의 최고 기록을 세웠다.[228]
제2차 세계 대전 이후에는 파운드로 5자릿수가 일반적이 되었고, 1958년에 《깃발로 장식된 모니에 거리》가 113000GBP에 낙찰되면서 파운드 6자릿수 시대가 열렸다. 그럼에도 불구하고, 피에르 오귀스트 르누아르에 비하면 시장에서의 인기는 높지 않았다. 그러나 1980년대 이후, 미술 시장 전체적으로 양질의 작품이 부족해짐에 따라 마네 작품의 가격은 더욱 급등했다. 1986년 12월 1일, 런던의 크리스티에서 《포장공이 있는 모니에 거리》가 700만파운드(1017만달러, 16.54억엔)라는 고가에 낙찰되었다. 1989년 11월 14일, 뉴욕의 크리스티에서 《깃발로 장식된 모니에 거리》가 게티 센터에 의해 2400만달러(34.75억엔)에 낙찰되어 마네 작품의 사상 최고가를 경신했다. 1997년에는 팔레트를 든 자화상이 1700만달러(20.33억엔)에 낙찰되어 당시 두 번째로 높은 가격을 기록했다.[229] 같은 팔레트를 든 자화상이 2010년 런던에서 3320만달러에 낙찰되어 기록을 다시 경신했지만, 2014년 뉴욕의 크리스티에서 봄이 6512만달러가 넘는 가격에 게티 센터에 낙찰되면서 새로운 마네 작품 최고 기록을 세웠다.[230][231]
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서적
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간행물
三浦 (2018: 249-50)
三浦
2018
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간행물
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간행물
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간행물
三浦 (2018: 237)
三浦
2018
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간행물
三浦 (2018: 271-72)
三浦
2018
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간행물
三浦 (2018: 272)
三浦
2018
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간행물
瀬木 (1999: 85)
瀬木
1999
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1999
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瀬木 (1999: 87-88)
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[236]
간행물
尾関ほか (2017: 323-26)
尾関ほか
2017
[237]
간행물
高階 (1975: 上34-36)
高階
1975
[238]
간행물
高階 (1975: 上52)
高階
1975
[239]
간행물
高階 (1990: 257)
高階
1990
[240]
간행물
ゴンブリッチ (2011: 384)
ゴンブリッチ
2011
[241]
간행물
ゴンブリッチ (2011: 388)
ゴンブリッチ
2011
[242]
간행물
高階 (1975: 上72-73)
高階
1975
[243]
간행물
ゴンブリッチ (2011: 390)
ゴンブリッチ
2011
[244]
간행물
高階 (1975: 上76-77) 、高階 (1990: 266)
高階
1975, 1990
[245]
간행물
高階 (1990: 266-67)
高階
1990
[246]
書籍
(不明)
2017
[247]
書籍
(不明)
2010
[248]
書籍
(不明)
2010
[249]
書籍
(不明)
1975, 1990, 2011
[250]
書籍
(不明)
2016
[251]
書籍
(不明)
2018
[252]
書籍
(不明)
2018
[253]
書籍
(不明)
2018, 2017
[254]
書籍
(不明)
2018
[255]
書籍
(不明)
2018
[256]
書籍
(不明)
2018
[257]
書籍
(不明)
2018
[258]
書籍
(不明)
2018
[259]
書籍
(不明)
2018
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書籍
(不明)
2018
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La dame aux éventails
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書籍
(不明)
2000
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書籍
(不明)
2012, 1990
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書籍
(不明)
2000
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書籍
(不明)
2012
[266]
書籍
(不明)
2018
[267]
웹사이트
L'atelier de Bazille
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Musée d'Orsay
2017-11-22
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書籍
(不明)
2010
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書籍
(不明)
2008
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書籍
(不明)
2008
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書籍
(不明)
2010
[272]
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Les Courses (The Races at Longchamps)
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書籍
(不明)
2011
[274]
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